"Costume Art": la nueva edición de Met Gala 2026 pone al cuerpo en el centro

La próxima cita de la moda es hoy, el primer lunes de mayo. Mientras se despliega la alfombra roja por las escaleras del Metropolitan Museum of Art y las celebridades comienzan a preparar sus vestidos, la gran gala anual marca la agenda de la industria. La temática de este año es “Costume Art” (el vestuario como arte), una propuesta más conceptual con respecto a ediciones anteriores, que pone en tensión la relación entre el cuerpo y la prenda.

La gran fiesta del año inaugura la exposición del Costume Institute, que reúne pinturas, esculturas y otros objetos que recorren más de 5.000 años de historia, en diálogo con prendas históricas y contemporáneas. Las piezas formarán parte de las Condé Nast Galleries, un nuevo espacio de 12.000 metros cuadrados que refuerza el vínculo entre museo y moda.

En cuanto a los anfitriones, la edición 2026 está encabezada por un grupo que condensa distintas esferas de poder cultural dentro de la industria: Beyoncé, Nicole Kidman y Venus Williams acompañan, como cada año, a Anna Wintour, figura clave en la consolidación contemporánea de la gala. A ellos se suman como anfitriones honorarios Jeff Bezos y Lauren Sánchez, cuya participación no pasó desapercibida y vuelve a poner en escena el cruce entre moda, celebridad y poder económico que atraviesa al evento.

UNA EXPOSICIÓN CENTRADA EN EL CUERPO

Desde la prehistoria hasta la actualidad, el cuerpo ha sufrido transformaciones sociales y culturales, reformulando y mutando nuestra relación con él. Esta nueva exposición presentará alrededor de 400 objetos de diferentes momentos históricos, yuxtapuestos con prendas de vestir, generando conexiones que irán desde lo formal a lo conceptual, de lo individual a lo universal y de lo lúdico a lo profundo.

Las categorías abarcarán una serie de tipos corporales temáticos, como el “Cuerpo Desnudo” y el “Cuerpo Clásico”, así como aquellos que tradicionalmente se han pasado por alto, como el “Cuerpo Embarazado” y el “Cuerpo Envejecido”. Otras categorías, como el “Cuerpo Anatómico” y el “Cuerpo Mortal”, explorarán experiencias corporales universales.

En esta ocasión, Andrew Bolton, curador a cargo del Costume Institute, busca correr la atención del vestido y de los maniquíes para reforzar la centralidad del cuerpo en el cruce entre arte y moda. “La aceptación de la moda como forma de arte se ha dado, en gran medida, en términos artísticos”, explica. “Se basa en la negación, en la renuncia del cuerpo y en una idea de la estética ligada a una contemplación incorpórea y desinteresada”.

EL DRESS CODE: "FASHION IS ART"

Sobre el código de vestimenta, los invitados asistirán bajo la consigna de “Fashion Is Art”, una invitación a pensar el cuerpo como soporte creativo: desde siluetas escultóricas hasta piezas que dialogan con la historia del arte, la anatomía o la idea de instalación.

Aun los conjuntos que caminarán por la red carpet son un enigma. La idea es que los looks seleccionados de los invitados dialoguen directamente con algunas piezas de la exhibición, como el traje de Glenn Martens para Y/Project o un conjunto creado por Rei Kawakubo en 1997 para Comme des Garçons.

En esa línea, se espera ver propuestas que alteren la silueta y prioricen la estructura, en sintonía con el legado de Alexander McQueen o Thierry Mugler, así como referencias directas a obras y movimientos de la historia del arte, donde la prenda funcione como un lenguaje visual en sí mismo.

La moda conceptual también gana terreno: más que responder al glamour, muchas apariciones buscarán narrar, evocar o tensionar ideas complejas. A esto se suma un trabajo material que cobra protagonismo, con texturas, relieves y superficies que remiten a lo pictórico, expandiendo la prenda hacia una dimensión casi plástica.

Crédito imagénes: Vogue