Aniversario cinéfilo: 10 películas icónicas que en 2023 cumplen 20 años

1. CIUDAD DE DIOS

Icónica, urgente, reveladora, cautivante, la película de los brasileños Fernando Meirelles y Kátia Lund retrata la vida de Buscapé (Alexandre Rodrigues), su narrador y protagonista, un chico que quiere abrirse paso y cambiar de vida (vende periódicos; sueña con ser fotógrafo) en un entorno difícil y donde la única salida parece estar en la delincuencia infanto/juvenil: la favela de Rio de Janeiro que da nombre al filme.

La guerra entre Mané Galhina, un hombre pacífico metido en una contienda donde no lo llaman (el gran músico carioca Seu Jorge), y el temible Zé Pequeño (Leandro Firmino), dos personajes de la vida real, es el telón de fondo de un cuento lleno de violencia, traiciones, corrupción y sangre, registrado por la dupla de directores con frenesí, una estética muy particular y personajes potentes e inolvidables. Nominada a 4 premios Oscar (no ganó ninguno), se llevo el BAFTA al Mejor Montaje. Aunque la producción es de 2002, llegó a los cines argentinos en marzo de 2003.

2. DESTINO FINAL 2

Digan lo que digan (y más ahora, que los reboots de las franquicias “Scream” y “Halloween” están a la orden del día), esta saga de terror que comenzó en 2000 es una de las más efectivas e interesantes de los últimos tiempos. Cinco películas, cómics y novelas conforman la franquicia, aunque son los filmes, verdaderos éxitos de taquilla e impulsores de una base de fans planetaria, los de más repercusión.

Y aunque la verdadera sorpresa la dio la película inicial, dirigida por James Wong (para la que, junto a Glen Morgan, trabajó un script ofrecido a Chris Carter por Jeffrey Reddick, quien soñaba verlo plasmado en “Los Expedientes Secretos X”, donde Wong y Morgan eran guionistas), es en la segunda entrega donde todo aparece mejor cuajado. Mérito de su director, David R. Ellis, que toma la idea inicial de Reddick (ya saben, el camino inexorable que hace la muerte para cumplir su cometido, venga en la forma que venga) y le da una ejecución digna de sus tan divertidas como truculentas ambiciones.

3. BUSCANDO A NEMO

Apenas 4 películas llevaba Pixar (las dos primeras “Toy Story”, “Bichos” y “Mosters Inc.”) y ya había cambiado la historia de la animación. Para el quinto filme de la compañía subsidiaria de los Estudios Disney, Andrew Stanton, hasta ese momento guionista, desarrolló una idea que le rondaba en la cabeza desde chico, cuando visitaba el consultorio del dentista e imaginaba a los habitantes de la pecera de la sala de espera del doc anhelando salir de su prisión de cristal para volver al océano.

Con las famosas técnicas de Pixar ya entrando en un grado superior (los animadores tomaron cursos de biología y oceanografía en pos de reproducir fielmente los movimientos de los peces), Stanton ocupó la silla de director para contar uno de los cuentos más perfectos de la factoría: el de un pez payaso (el Nemo del título) que se extravía y es buscado desesperadamente por su padre, Marlin, con la ayuda de un personaje genial: Dory, la pececita que sufre de pérdida de memoria a corto plazo, maravillosamente interpretada (en idioma original) por Ellen DeGeneres.

4. KILL BILL VOL. 1

“La 4ª película de Quentin Tarantino”, tal cual se la anuncia en los créditos iniciales después de la impactante escena de apertura, es un homenaje a las cintas de artes marciales que el cineasta fagocitó en su juventud. Más precisamente la japonesa “Lady Snowblood” (Toyisha Fujita, 1973). Aquí, Uma Thurman es Beatrix “The Bride” Kiddo (o Black Mamba), una asesina que paga muy cara su salida del grupo de killers al que pertenece al saberse embarazada, una pandilla cuyo líder es Bill (David Carradine), mentor y amante de la mujer.

Bill cobra la traición de Beatrix disparándole en la cabeza justo en el día de su boda con otro hombre, sin saber que el bebé que lleva en el vientre es su hijo. Ella sobrevive, pasa años en coma y regresa para una venganza perfectamente orquestada, desarrollada en este film y su segunda parte, estrenada seis meses después. En ambos, Tarantino lleva la estilización de la violencia a límites sangrientos y geniales, sin correrse del género al que tributa pero a la vez usando las herramientas cinematográficas que lo convirtieron en uno de los realizadores fundamentales de los últimos 30 años.

5. RÍO MÍSTICO

Tanto en la década del 90 como en la siguiente, Clint Eastwood confirmó su solidez como cineasta con películas notables. Algunas se llevaron premios importantes (en 1993 y 2004, respectivamente, “Los imperdonables” -acaso su mejor film- y “Million Dollar Baby” ganaron 4 Oscars cada una, incluidos los de Mejor Director y Mejor Película); otras, que también consiguieron nominaciones y galardones, siguieron esa estela de excelencia aunque en algunos (muy pocos) casos dividieron a la crítica.

Es el caso de esta adaptación de la novela de Dennis Lehane ambientada en Boston, una dura y amarga historia de abuso, culpa, redención, muerte y venganza que Eastwood cuenta en clave neo-noir, con grandes actuaciones de Sean Penn, Kevin Bacon y Tim Robbins en los principales, más excelentes secundarios de Laura Linney, Marcia Gay Harden y Lawrence Fishburne. A los 73 años, el pulso de Eastwood estaba más firme que nunca, y lo seguiría demostrando a lo largo de la década.

6. REALMENTE AMOR

Ok, es una “comedia navideña” (ya saben, ese subgénero que engloba películas amables construidas en torno a la festividad), pero quién le quita lo bailado a esta película de Richard Curtis. Hábil guionista de exitazos como “Cuatro bodas y un funeral”, “Un lugar llamado Notting Hill”, la saga de Bridget Jones y una obra superior como la casi secreta “Caballo de Guerra”, de Steven Spielberg, el británico armó un mosaico de 10 historias (otra característica de estos filmes: su carácter episódico) que suceden cinco semanas antes de la Navidad, desarrolladas en sub tramas que irán entrecruzándose, así como sus personajes.

Con algún cuento más destacable que otro (el del marido infiel protagonizado por Emma Thompson y Alan Rickman; el del romance del Primer Ministro inglés –Hugh Grant- con su empleada), el filme figura cualquier lista que los fans de las comedias románticas hayan confeccionado en el pasado o hagan en el futuro. Y está bien.

7. EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY

Ganó 11 Oscars, y aunque no obtuvo ninguna nominación por sus magníficas actuaciones, se merece cada uno de ellos. La conclusión de la trilogía de filmes donde Peter Jackson adaptó la monumental obra de J. R. R. Tolkien, narra el tramo definitivo del viaje que Frodo Bolsón (Elijah Wood) y su camarada Samsagaz Gamyi (Sean Astin) hacen en compañía del traicionero Gollum para llegar a Mordor y destruir el Anillo Único en el Monte del Destino.

Mientras tanto, el resto de la Comunidad del Anillo (Aragorn, Gandalf, Legolas, Gimli, Merry, y Pippin) acompaña desde lejos, sorteando mil y un obstáculos, con la cabeza puesta en esos hobbits valientes y decididos. Son 201 minutos que se pasan como una exhalación gracias al talento del realizador neocelandés para la aventura y la acción (siempre filmada, nunca construida como un artilugio del montaje), el retrato de las relaciones humanas y del espíritu de camaradería, con la épica de los grandes relatos clásicos al frente y un sentido del cine que se extraña en épocas de superhéroes hegemónicos e historias insípidas.

8. EL GRAN PEZ

Después de la desconcertante “El Planeta de los Simios” (totalmente anómala en su filmografía, al menos hasta ese momento), Tim Burton abordó la adaptación de una novela de Daniel Wallace (“Big Fish: A Novel of Mythic Proportions”) y logró una de las películas más exitosas de su extensa obra.

Un padre fantasioso (Albert Finney) y un hijo (Billy Crudup) cansado de escuchar historias a su juicio inverosímiles y que siempre le parecieronn excusas para diluir responsabilidades paternas, rompen relaciones para volver a encontrarse tres años después, cuando el mayor enferma gravemente. Los relatos vuelven, pero la dura realidad ha modificado el punto de vista escéptico de ese hijo, que decide averiguar la verdad escondida detrás de aquellas historias.

El resultado es una profunda y efectiva reflexión sobre las relaciones paterno/filiales y el valor relativo de la verdad a la hora de narrar el pasado de las personas. La escena final, con todos los personajes de la vida de Edward “apareciendo”, es de lo más emocionante que alguna vez haya filmado Burton.

9. PERDIDOS EN TOKIO

Bill Murray, Scarlett Johansson, Tokio como ciudad/escenario extraña que va abriéndose a una mirada nueva a cada paso, la conexión/desconexión entre personas, la imposibilidad de concretar aquello que simplemente parece no tener ni su lugar ni su momento para que acontezca.

Todo esto y mucho más expone la segunda película de Sofia Coppola, que ya había pegado un pleno con su primer opus, “Las vírgenes suicidas” (1999), y aquí sube la apuesta logrando una química inolvidable entre Bob, el personaje de Murray –un actor en crisis existencial que viaja a la ciudad nipona para una publicidad de whisky- y Charlotte, la joven aislada de los intereses de su atareado marido interpretada por Johansson.

Desde que se cruzan por primera vez en el lobby del lujoso hotel donde están alojados, Bob y Charlotte crean un lazo único y extraño, cifrado en la necesidad de compañía y entendimiento, ausente en sus vidas. Ganadora de un Oscar por el guion, Coppola siguió su carrera como cineasta entregando filmes entre desparejos y valiosos, ninguno a la altura de esta película hermosa y desoladora.

10. ESCUELA DE ROCK

Richard Linklater, el director que hasta la llegada de este film había hecho películas valiosas y angulares como “Slacker”, “Rebeldes y confundidos”, “Antes del amanecer”, “La Pandilla Newton” o “Despertando a la vida”, tomó aquí las riendas de la comedia y las sostuvo a mano firme, logrando una película icónica que luego sería musical de Broadway y hasta serie de televisión.

Dewey (Jack Black) es un enérgico guitarrista de rock que usurpa el lugar de su compañero de banda y roomate como maestro de música en una escuela secundaria. Despechado por la actitud de su amigo, que lo echó de la agrupación a instancias de su novia, Dewey termina armando una banda integrada por los alumnos, con el objetivo de presentarse en la competición de grupos de rock en la que también se medirán sus antiguos compañeros. Con Black en estado de gracia (en muy buena dupla con la gran Joan Cusack), la película se burla de las convenciones y el conservadurismo rockero (hasta MTV liga lo suyo), con gracia, buena música -la banda de sonido es memorable- e inteligencia.