Leiva: "Las canciones reinan por encima de las tendencias y los estilos"

A esta altura, hablar de musas inspiradoras parece algo antiguo, pero en el caso del músico español Leiva tiene otro significado. Su quinto álbum, Cuando te muerdes el labio, consta de catorce colaboraciones con cantantes femeninas –entre las que se destacan Zoe Gotusso, Natalia Lafourcade y Ximena Sariñana–, a quienes les compuso canciones a medida, buscando un punto de encuentro entre su música y el arte de sus invitadas. Grabado entre México y España con la ayuda de Carlos Naya, su histórico productor, y el músico chileno Adán Jodorowsky, el ex líder de Pereza incursionó en universos musicales a los que apenas había visto de reojo y entregó un disco pop intimista y dulce que se perfila como el mejor trabajo de su carrera.

–¿Cómo nació la idea de grabar un álbum con cantantes invitadas?

–En mis viajes por Latinoamérica descubrí una escena muy poderosa y talentosa de mujeres de entre 20 y 40 años que están haciendo algo verdaderamente interesante, artistas emergentes, como Silvana Estrada y Natalia Lacunza, y compositoras más consolidadas, como Ely Guerra. Tengo la suerte de ser muy amigo de la mayor parte de ellas, por lo que cada vez que las veía volvía muy inspirado y con la sensación de que estaba frente a algo extraordinario. El orden normal de un disco suele ser escribir y luego pensar a quién llamar, pero en este caso fue al revés, ya que llegó un punto en el que me apeteció componer especialmente para cada una de ellas. Bucear en su obra, sus expresiones y sus tonalidades hasta encontrar ese lugar musical común ha hecho que el álbum suene muy natural y muy orgánico. La clave de que sea tan redondito es que las canciones son un traje a medida. 

–La composición que dio el puntapié inicial a estas colaboraciones es la que da nombre a este trabajo, “Cuando te muerdes el labio”, en la que te acompaña Daniela Spalla.

–Daniela es una persona muy importante en mi vida y en el álbum. En un vuelo de Nueva York a México escribí la canción y al bajar la llamé y le pedí que viniera a la habitación del hotel para probar cómo funcionaban las dos voces. Ese momento está subido a YouTube, y fue el día en que decidí que eso que estaba sucediendo no terminara ahí.

–Los temas nuevos tienen un sonido suave, ¿dónde quedó la distorsión, la crudeza característica de la música de Leiva?

–Yo nunca pienso mucho en el estilo, sino que siento que las canciones me van llevando ellas solas a algún lugar. Nunca me senté a pensar si quería tener menos guitarras eléctricas en mi próximo trabajo. Yo me meto en el estudio con mis amplificadores Vox antiguos, mi guitarra de los 60 y mis pedales, y de repente las canciones me van diciendo si debo utilizarlos o no. En este disco hay más mellotrones, baterías secas y guitarras acústicas, y no reina tanto la eléctrica como en otros discos. Creo que he sido justo con lo que me pedían las canciones y si lo hubiera ensuciado con distorsión, habría puesto el estilo por encima de la composición, que es algo que no me suele gustar.

–“Flecha”, de hecho, tiene una onda disco funk de los 70 con unos arreglos de cuerdas muy diferentes a lo que hiciste antes. ¿Cómo surgió esa canción?

–Yo soy baterista de una banda en la que tocamos esa música, así que conozco bien el groove, pero en mis canciones nunca me he atrevido a hacerlo antes por respeto al estilo. Adán Jodorowsky y yo queríamos acercarnos al soul de Filadelfia, incluso al sonido seco de Sly and the Family Stone, con unos arreglos de cuerdas de la onda de Phil Spector. Yo tenía muy claro lo que quería y Adán sabía cómo había que hacerlo sonar, así que fue un momento muy importante de la grabación. Por eso “Flecha” tiene uno de los sonidos más logrados del disco.

–“Premio de consolación” tiene un recitado del poema “Te amo”, de Pablo Neruda, en francés. ¿Cómo llegaste ahí?

–Un día estaba husmeando en YouTube y encontré a un tipo catalán que se llama Xavier que recitaba poemas de Neruda en francés. Conocía el poema en castellano, pero en francés me pareció que tenía una dimensión enorme, que su sonoridad sumaba mucho a la canción. Cosas de la vida, Natalia Lacunza, que es quien me acompaña en este tema, habla francés perfectamente, así que lo probamos y nos encantó.

–¿Cómo fue grabar un álbum de colaboraciones en pandemia?

–Ahora que veo el disco editado me he dado cuenta de lo acrobático que ha sido todo, porque lo hemos hecho en el momento más duro de la pandemia. Me fui a vivir a Ciudad de México unos meses para trabajar con Adán y al final pude grabar de manera presencial con doce de las catorce artistas. Eso es una locura si lo comparamos con lo que sucede en la música urbana, en la que todas las colaboraciones se hacen a distancia. Yo entiendo ese ritual de otra manera. Tengo que sentarme en una habitación, hacer música y ver qué onda hay, así que en medio de una pandemia conseguí reunir a personas de diferentes partes del mundo y grabar un disco, hacer videoclips, salir a cenar, cocinar y hablar de música juntos. Como dice un amigo mío mexicano: “Cuando tiene que ser, aunque te quites; cuando no, aunque te pongas”. Pues, claramente, este álbum tenía que ser, porque no había más que obstáculos.

–Pudiste grabar con casi todas las invitadas en el mismo estudio, pero a la vez Cuando te muerdes el labio es el primer álbum que hacés sin tu banda en mucho tiempo. ¿Cómo fue volver a hacerse cargo de todos los instrumentos?

–Es un universo muy familiar para mí porque con mi grupo anterior grababa de esa manera, primero las baterías, luego los bajos y al final las guitarras. Cuando terminó Pereza empecé a hacerlo con banda en directo, que era algo que me apetecía mucho. Pero en plena pandemia nos pareció que las circunstancias hacían que no nos pudiéramos meter ocho personas en una habitación pequeña, y entonces con Carlos Naya, que ha producido muchos de mis discos, decidimos grabarlo nosotros mismos. Lo mismo ocurrió con Adán, con quien trabajé por primera vez y acabamos hermanando enseguida. Con los dos investigué de una manera un poquito más anárquica los sonidos y terminé recuperando una forma de trabajar que tenía olvidada.

–Tu música, en especial este nuevo álbum, es una propuesta diferente a lo que está sonando, tanto en España como en Latinoamérica, donde lo que priman son el trap y la música urbana. ¿Cómo se abren paso tus canciones en el contexto actual?

–Obviamente, mi música y mi disco no responden a ninguna tendencia. Es más, probablemente sea muy desaconsejable para alguien de una compañía que yo hiciera un disco tal como lo he hecho, mezclado en cinta analógica y buscando sonidos de la década del 70. Es la antítesis de lo que está sucediendo ahora, pero yo sigo pensando que las canciones reinan por encima de las tendencias y los estilos. Es cierto que, si mi canción suena en una radio entre Bad Bunny y Rosalía, pues va a parecer más pequeña y va a tener menos impacto, pero siento que, al fin y al cabo, con más de veinte años de carrera, yo cuento historias y siempre hay un público que quiere recibir historias.

–Colaboraste con muchísimos artistas argentinos de diversos estilos, desde bandas nuevas hasta grandes nombres. ¿Cómo ves la escena musical argentina?

–Ahora mismo, la música que escucho es hip hop y trap argentino, que considero la escena más talentosa y poderosa que hay en este momento. Duki y Wos me parecen muy buenos. Más allá de cómo se está imponiendo lo urbano, tengo la sensación de que hay propuestas de rock y pop muy interesantes. Llevo mucho tiempo haciendo giras por la Argentina, tocando con Andrés Calamaro, Fito Páez o Ratones Paranoicos, haciendo amigos en festivales y clubes y llevándome música. En los últimos tres años veo que se ha desarrollado una escena muy buena de pop rock, desde Bándalos Chinos hasta Conociendo Rusia, Ainda o Zoe Gotusso, a quien escuchaba cuando tenía solamente una canción publicada. Creo que, de toda Latinoamérica, la Argentina es el país de donde están saliendo las propuestas musicales más interesantes.

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Fotos: Rubén Martín